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Meet the Director

About the Whitney

As the preeminent institution devoted to the art of the United States, the Whitney Museum of American Art presents the full range of twentieth-century and contemporary American art, with a special focus on works by living artists. The Whitney is dedicated to collecting, preserving, interpreting, and exhibiting American art, and its collection—arguably the finest holdings of twentieth-century American art in the world—is the Museum's key resource. The Museum's flagship exhibition, the Biennial, is the country's leading survey of the most recent developments in American art.

Innovation has been a hallmark of the Whitney since its beginnings. It was the first museum dedicated to the work of living American artists and the first New York museum to present a major exhibition of a video artist (Nam June Paik, in 1982). Such important figures as Jasper Johns, Jay DeFeo, Glenn Ligon, Cindy Sherman, and Paul Thek were given their first comprehensive museum surveys at the Whitney. The Museum has consistently purchased works within the year they were created, often well before the artists who created them became broadly recognized.

Designed by architect Renzo Piano and situated between the High Line and the Hudson River, the Whitney's current building vastly increases the Museum’s exhibition and programming space, providing the most expansive view ever of its unsurpassed collection of modern and contemporary American art.

2019 Biennial
Floor 5

Solo en Inglès

"Este es un panorama de la creación artística contemporánea en los Estados Unidos hoy en día." —Jane Panetta, Whitney Biennial co-curador

Escucha a los artistas y curadores sobre trabajos en la exhibición.

Jeffrey Gibson, PEOPLE LIKE US

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Jeffrey Gibson: El principio mismo de los atuendos es en realidad mi trabajo con los materiales del circuito powwow y los comerciantes que venden a los bailarines y los fabricantes dentro del contexto powwow. Así que la idea es crear un atuendo [y que] puede haber también partes heredadas de un miembro de la familia que pueden incorporarse al nuevo atuendo. En el powwow, si bien existe una suerte de sentido colectivo de comunidad, también hay un espacio donde brilla el individuo.

Entiendo el powwow como una invención moderna frente al colonialismo. Para las tribus, fue una manera de volver a reunirse y hallar fortaleza dentro de una comunidad inter-tribal. Aquello me inspiró a buscar otro tipo de representaciones de la modernidad dentro de las culturas indígenas.

[En] el movimiento de la Danza fantasma, los miembros utilizaban unas camisas que confeccionaban ellos mismos. Fue un movimiento pacifista. Se basaba en una especie de limpieza, danza y música de tambores ceremoniales, como una manera de devolver a la comunidad su fuerza y también de resistir ante el colonialismo.

Realmente me impresionó que la gente creyera que este atuendo los protegería. Y el tema no es si eso es cierto o no. El tema para mí es . . . ¿podría yo, potencialmente, tener esa creencia? ¿Qué aspecto de nuestra sociedad contemporánea no me permite creer que la construcción de un objeto pueda traerme protección?

A colorfully patterned garment on display.

Jeffrey Gibson: El principio mismo de los atuendos es en realidad mi trabajo con los materiales del circuito powwow y los comerciantes que venden a los bailarines y los fabricantes dentro del contexto powwow. Así que la idea es crear un atuendo [y que] puede haber también partes heredadas de un miembro de la familia que pueden incorporarse al nuevo atuendo. En el powwow, si bien existe una suerte de sentido colectivo de comunidad, también hay un espacio donde brilla el individuo.

Entiendo el powwow como una invención moderna frente al colonialismo. Para las tribus, fue una manera de volver a reunirse y hallar fortaleza dentro de una comunidad inter-tribal. Aquello me inspiró a buscar otro tipo de representaciones de la modernidad dentro de las culturas indígenas.

[En] el movimiento de la Danza fantasma, los miembros utilizaban unas camisas que confeccionaban ellos mismos. Fue un movimiento pacifista. Se basaba en una especie de limpieza, danza y música de tambores ceremoniales, como una manera de devolver a la comunidad su fuerza y también de resistir ante el colonialismo.

Realmente me impresionó que la gente creyera que este atuendo los protegería. Y el tema no es si eso es cierto o no. El tema para mí es . . . ¿podría yo, potencialmente, tener esa creencia? ¿Qué aspecto de nuestra sociedad contemporánea no me permite creer que la construcción de un objeto pueda traerme protección?


Jeffrey Gibson, Stand By Me, 2018. Polyester organza, glass and plastic beads, printed chiffon, nylon ribbon, canvas, acrylic paint, repurposed artist’s paintings, PVC, and artificial sinew, Garment: 78 1/4 × 98 × 2 1/2 in. (198.8 × 248.9 × 6.3 cm); Tipi poles: 10 ft. (3.1 m). Image courtesy Jeffrey Gibson Studio. Photograph by Pete Mauney