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Meet the Director

About the Whitney

As the preeminent institution devoted to the art of the United States, the Whitney Museum of American Art presents the full range of twentieth-century and contemporary American art, with a special focus on works by living artists. The Whitney is dedicated to collecting, preserving, interpreting, and exhibiting American art, and its collection—arguably the finest holdings of twentieth-century American art in the world—is the Museum's key resource. The Museum's flagship exhibition, the Biennial, is the country's leading survey of the most recent developments in American art.

Innovation has been a hallmark of the Whitney since its beginnings. It was the first museum dedicated to the work of living American artists and the first New York museum to present a major exhibition of a video artist (Nam June Paik, in 1982). Such important figures as Jasper Johns, Jay DeFeo, Glenn Ligon, Cindy Sherman, and Paul Thek were given their first comprehensive museum surveys at the Whitney. The Museum has consistently purchased works within the year they were created, often well before the artists who created them became broadly recognized.

Designed by architect Renzo Piano and situated between the High Line and the Hudson River, the Whitney's current building vastly increases the Museum’s exhibition and programming space, providing the most expansive view ever of its unsurpassed collection of modern and contemporary American art.

2019 Biennial
Floor 5

Solo en Inglès

"Este es un panorama de la creación artística contemporánea en los Estados Unidos hoy en día." —Jane Panetta, Whitney Biennial co-curador

Escucha a los artistas y curadores sobre trabajos en la exhibición.

Jeanette Mundt

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Narrator: Jeanette Mundt basó estas pinturas en fotografías compuestas del equipo de gimnasia femenino de los Estados Unidos para las Olimpiadas de 2016.

Jeanette Mundt: En las fotografías compuestas, el cuerpo parece aparecer y desaparecer para que uno pueda ver los momentos que el ilustrador realmente quería resaltar. Así que se ve una automatización. Básicamente The New York Times lo hace mucho―usa gráficos y modos tecnofetichistas de comunicación―para que la gente termine en este espacio hiperdigitalizado.

Narrator: En los lienzos, Mundt ha fracturado y abstraído las escenas de diversas maneras.

Jeanette Mundt: Puedo fragmentar estos segmentos para que sean unidades de tiempo menos definidas, dividirlo todo y hacer que el tiempo quede completamente bajo mi control. Así que hay estos tartamudeos, esta suerte de tropiezos y de idas y venidas, y el gesto se convierte de alguna manera en este tartamudeo. Y creí que esta era una muy buena manera de pensar el tiempo y el movimiento formalmente en la pintura, que es también de lo que quiero hablar. Pero también de mostrar visualmente y de inmediato que hay un fallo aquí en este intento extremo por alcanzar el éxito.

Narrator: Mundt comenzó estas pinturas antes de que el médico oficial del equipo de gimnasia de las Olimpiadas, Larry Nasser, fuera acusado y condenado por abusar sexualmente de muchas atletas, incluidas Simone Biles y Aly Raisman, a las que vemos aquí. Mundt tiene muy claro que estos acontecimientos afectan las percepciones que los espectadores tienen de las pinturas.

Jeanette Mundt: Intento navegar la manera en que se presentan imágenes emblemáticas y se juega con lo que el público tiene ya en su mente, y cómo se puede complementar eso en lugar de intentar dirigirlo. Entonces, sí que entiendo que la historia, los medios, el espectáculo y todo eso, cambiaron de forma y se trasladaron a este terrible lugar. Ya estaba allí, pero se hizo público en el sentido de que las pinturas también cambian y de que uno, como espectador, puede reconocer ambas cosas juntas.

Narrator: Jeanette Mundt basó estas pinturas en fotografías compuestas del equipo de gimnasia femenino de los Estados Unidos para las Olimpiadas de 2016.

Jeanette Mundt: En las fotografías compuestas, el cuerpo parece aparecer y desaparecer para que uno pueda ver los momentos que el ilustrador realmente quería resaltar. Así que se ve una automatización. Básicamente The New York Times lo hace mucho―usa gráficos y modos tecnofetichistas de comunicación―para que la gente termine en este espacio hiperdigitalizado.

Narrator: En los lienzos, Mundt ha fracturado y abstraído las escenas de diversas maneras.

Jeanette Mundt: Puedo fragmentar estos segmentos para que sean unidades de tiempo menos definidas, dividirlo todo y hacer que el tiempo quede completamente bajo mi control. Así que hay estos tartamudeos, esta suerte de tropiezos y de idas y venidas, y el gesto se convierte de alguna manera en este tartamudeo. Y creí que esta era una muy buena manera de pensar el tiempo y el movimiento formalmente en la pintura, que es también de lo que quiero hablar. Pero también de mostrar visualmente y de inmediato que hay un fallo aquí en este intento extremo por alcanzar el éxito.

Narrator: Mundt comenzó estas pinturas antes de que el médico oficial del equipo de gimnasia de las Olimpiadas, Larry Nasser, fuera acusado y condenado por abusar sexualmente de muchas atletas, incluidas Simone Biles y Aly Raisman, a las que vemos aquí. Mundt tiene muy claro que estos acontecimientos afectan las percepciones que los espectadores tienen de las pinturas.

Jeanette Mundt: Intento navegar la manera en que se presentan imágenes emblemáticas y se juega con lo que el público tiene ya en su mente, y cómo se puede complementar eso en lugar de intentar dirigirlo. Entonces, sí que entiendo que la historia, los medios, el espectáculo y todo eso, cambiaron de forma y se trasladaron a este terrible lugar. Ya estaba allí, pero se hizo público en el sentido de que las pinturas también cambian y de que uno, como espectador, puede reconocer ambas cosas juntas.