Error

Lost connection. Try moving to a different area to reconnect.

Reload

Tours

No more tours today.

Meet the Director

About the Whitney

As the preeminent institution devoted to the art of the United States, the Whitney Museum of American Art presents the full range of twentieth-century and contemporary American art, with a special focus on works by living artists. The Whitney is dedicated to collecting, preserving, interpreting, and exhibiting American art, and its collection—arguably the finest holdings of twentieth-century American art in the world—is the Museum's key resource. The Museum's flagship exhibition, the Biennial, is the country's leading survey of the most recent developments in American art.

Innovation has been a hallmark of the Whitney since its beginnings. It was the first museum dedicated to the work of living American artists and the first New York museum to present a major exhibition of a video artist (Nam June Paik, in 1982). Such important figures as Jasper Johns, Jay DeFeo, Glenn Ligon, Cindy Sherman, and Paul Thek were given their first comprehensive museum surveys at the Whitney. The Museum has consistently purchased works within the year they were created, often well before the artists who created them became broadly recognized.

Designed by architect Renzo Piano and situated between the High Line and the Hudson River, the Whitney's current building vastly increases the Museum’s exhibition and programming space, providing the most expansive view ever of its unsurpassed collection of modern and contemporary American art.

2019 Biennial
Floor 5

Solo en Inglès

"Este es un panorama de la creación artística contemporánea en los Estados Unidos hoy en día." —Jane Panetta, Whitney Biennial co-curador

Escucha a los artistas y curadores sobre trabajos en la exhibición.

Brendan Fernandes

0:00

Brendan Fernandes: Hola, me llamo Brendan Fernandes  y soy artista visual. Trabajo en la intersección de la danza, la escultura y la performance.

Narrator: La contribución de Fernandes a la Bienal es un grupo de estructuras que pueden erguirse por sí solas como esculturas, pero que también sirven como espacios de performance.

Brendan Fernandes: Viniendo del mundo de la danza—formación en ballet—he creado aparatos que ponen a los bailarines en posiciones específicas, indicativas de la técnica del ballet.

Hay cinco aparatos y cinco bailarines; cada uno tendrá un aparato asignado. Se quedan en el aparato tanto tiempo como pueden. En ciertos momentos, se les da el pie para que abandonen el aparato, y en el centro de la instalación hay un gran dispositivo semejante a una jaula. Algo que parece abrumador, algo que parece austero, pero para mí, este espacio semejante a un calabozo se convierte en un espacio de libertad y de santuario. Un espacio seguro donde liberar sus cuerpos.

Como exbailarín de ballet, siempre he cuestionado mi cuerpo, la idea de quién era yo en ese mundo. El ballet es un tipo de danza muy específico y se requiere un tipo de cuerpo muy particular para interpretar los gestos o para, entre comillas, tener éxito técnicamente en ese espacio.

Pienso la raza, la clase y el género a través del ballet. Esos conceptos se han establecido en gran medida por medio de narrativas occidentales hegemónicas. Parte de lo que hago con esta obra es ser crítico y romper esos conceptos binarios, porque estamos en un espacio en el que necesitamos cambiar esto y la danza tiene una gran necesidad de eso en su narrativa, de pensar las cosas de manera distinta.

Four dancers pose in a rehearsal space with metal bar structures.

Brendan Fernandes: Hola, me llamo Brendan Fernandes  y soy artista visual. Trabajo en la intersección de la danza, la escultura y la performance.

Narrator: La contribución de Fernandes a la Bienal es un grupo de estructuras que pueden erguirse por sí solas como esculturas, pero que también sirven como espacios de performance.

Brendan Fernandes: Viniendo del mundo de la danza—formación en ballet—he creado aparatos que ponen a los bailarines en posiciones específicas, indicativas de la técnica del ballet.

Hay cinco aparatos y cinco bailarines; cada uno tendrá un aparato asignado. Se quedan en el aparato tanto tiempo como pueden. En ciertos momentos, se les da el pie para que abandonen el aparato, y en el centro de la instalación hay un gran dispositivo semejante a una jaula. Algo que parece abrumador, algo que parece austero, pero para mí, este espacio semejante a un calabozo se convierte en un espacio de libertad y de santuario. Un espacio seguro donde liberar sus cuerpos.

Como exbailarín de ballet, siempre he cuestionado mi cuerpo, la idea de quién era yo en ese mundo. El ballet es un tipo de danza muy específico y se requiere un tipo de cuerpo muy particular para interpretar los gestos o para, entre comillas, tener éxito técnicamente en ese espacio.

Pienso la raza, la clase y el género a través del ballet. Esos conceptos se han establecido en gran medida por medio de narrativas occidentales hegemónicas. Parte de lo que hago con esta obra es ser crítico y romper esos conceptos binarios, porque estamos en un espacio en el que necesitamos cambiar esto y la danza tiene una gran necesidad de eso en su narrativa, de pensar las cosas de manera distinta.


Brendan Fernandes, The Master and Form, 2018. Performance view, Graham Foundation, Chicago, IL, 2018. Image courtesy the artist and Monique Meloche Gallery, Chicago. Photograph by Brendan Leo Merea