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Meet the Director

About the Whitney

As the preeminent institution devoted to the art of the United States, the Whitney Museum of American Art presents the full range of twentieth-century and contemporary American art, with a special focus on works by living artists. The Whitney is dedicated to collecting, preserving, interpreting, and exhibiting American art, and its collection—arguably the finest holdings of twentieth-century American art in the world—is the Museum's key resource. The Museum's flagship exhibition, the Biennial, is the country's leading survey of the most recent developments in American art.

Innovation has been a hallmark of the Whitney since its beginnings. It was the first museum dedicated to the work of living American artists and the first New York museum to present a major exhibition of a video artist (Nam June Paik, in 1982). Such important figures as Jasper Johns, Jay DeFeo, Glenn Ligon, Cindy Sherman, and Paul Thek were given their first comprehensive museum surveys at the Whitney. The Museum has consistently purchased works within the year they were created, often well before the artists who created them became broadly recognized.

Designed by architect Renzo Piano and situated between the High Line and the Hudson River, the Whitney's current building vastly increases the Museum’s exhibition and programming space, providing the most expansive view ever of its unsurpassed collection of modern and contemporary American art.

2019 Biennial
Floor 5

Solo en Inglès

"Este es un panorama de la creación artística contemporánea en los Estados Unidos hoy en día." —Jane Panetta, Whitney Biennial co-curador

Escucha a los artistas y curadores sobre trabajos en la exhibición.

Keegan Monaghan

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Keegan Monaghan: Pues, para mí, el teléfono es algo que quería pintar porque es muy familiar. 

Narrator: Keegan Monaghan habla sobre Incoming (Entrante), una pintura de un gran teléfono rojo.

Keegan Monaghan: Es una imagen que puede ser inocua y de alguna manera liviana, aunque también oscura e imponente…

Esta pintura no llevaba originalmente la bombilla. Era sólo el teléfono rojo y, luego, me di cuenta de que, si la ponía, esta se convertía en la fuente de luz. Lo que también se convirtió en el drama de la pintura.

Entiendo muchas de las pinturas como vistas internas de ciertos espacios mentales. Supongo que un aspecto de la manera en que pinto es [que] pinto sobre las cosas durante tanto tiempo que las superficies acumulan mucho material y creo que eso se convierte… le da un cierto carácter físico a la pintura, que también luego tiene un carácter psicológico, que viene dentro de esa materialidad.

También ocurre una metáfora conmovedora cuando uno está lejos y ve una imagen de cierta manera, y luego se acerca y esta cambia, lo cual la destruye un poco. Que la imagen en sí misma se descompone y uno la ve sólo como… espero que en todo momento se vea como una imagen, pero también se ve como pintura material sobre lienzo.

La forma en que espero que las pinturas funcionen es [que] vibren entre distintos tonos emocionales. Realmente me gustaría que las pinturas fueran graciosas y tristes, ligeras pero también aterradoras e intensas al mismo tiempo. 

A close-up painting of and enlarged red telephone.

Keegan Monaghan: Pues, para mí, el teléfono es algo que quería pintar porque es muy familiar. 

Narrator: Keegan Monaghan habla sobre Incoming (Entrante), una pintura de un gran teléfono rojo.

Keegan Monaghan: Es una imagen que puede ser inocua y de alguna manera liviana, aunque también oscura e imponente…

Esta pintura no llevaba originalmente la bombilla. Era sólo el teléfono rojo y, luego, me di cuenta de que, si la ponía, esta se convertía en la fuente de luz. Lo que también se convirtió en el drama de la pintura.

Entiendo muchas de las pinturas como vistas internas de ciertos espacios mentales. Supongo que un aspecto de la manera en que pinto es [que] pinto sobre las cosas durante tanto tiempo que las superficies acumulan mucho material y creo que eso se convierte… le da un cierto carácter físico a la pintura, que también luego tiene un carácter psicológico, que viene dentro de esa materialidad.

También ocurre una metáfora conmovedora cuando uno está lejos y ve una imagen de cierta manera, y luego se acerca y esta cambia, lo cual la destruye un poco. Que la imagen en sí misma se descompone y uno la ve sólo como… espero que en todo momento se vea como una imagen, pero también se ve como pintura material sobre lienzo.

La forma en que espero que las pinturas funcionen es [que] vibren entre distintos tonos emocionales. Realmente me gustaría que las pinturas fueran graciosas y tristes, ligeras pero también aterradoras e intensas al mismo tiempo. 


Keegan Monaghan, Incoming, 2016-17. Oil on canvas, 60 3/8 × 72 in. (153.4 × 182.9 cm). Collection of Ninah and Michael Lynne. Image courtesy the artist and James Fuentes Gallery, New York. Photograph by Jason Mandella